El documento describe el Neoclasicismo y la figura de Francisco de Goya. El Neoclasicismo se desarrolló entre 1750 y 1830 en Europa, tomando como modelo el arte clásico griego y romano. La arquitectura neoclásica se caracterizó por el uso de la piedra y las columnas clásicas. La escultura buscó recuperar los patrones clásicos mediante el mármol pulido. La pintura se inspiró en los relieves antiguos, utilizando colores primarios. Goya se adelantó a movimientos posteri

1. EL NEOCLASICISMO Y LA FIGURA DE GOYA 1
HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO
EL ARTE NEOCLÁSICO Y LA FIGURA DE GOYA
1. INTRODUCCIÓN
Entre 1750 y 1830 se desarrolló en Europa el Neoclasicismo, estilo que tuvo su epicentro en Francia.
Además de Europa, también fue importante su difusión en Estados Unidos.
Desde el punto de vista histórico, es un periodo de profundos cambios políticos ya que comienza en
pleno siglo de la Ilustración y del Despotismo ilustrado, y continúa durante la Revolución francesa y la
época napoleónica. Coincide con la crisis de las estructuras del Antiguo Régimen y las primeras
experiencias de la sociedad burguesa.
Características del Neoclasicismo:
El desarrollo de la Arqueología, con los hallazgos de Pompeya y Herculano, puso de moda el
conocimiento de la Antigüedad clásica.
El Neoclasicismo es un estilo artístico íntimamente ligado al racionalismo impuesto por la
Ilustración. Propugna un nuevo concepto de la estética, difundido por las Academias
artísticas, que defendían a ultranza la superioridad del arte antiguo. Winckelmann publica en
1764 Sobre la imitación de las obras griegas, donde preconizaba el ideal griego como punto de
partida de todo concepto de belleza.
Resulta muy difícil establecer los límites del Neoclasicismo. Las primeras obras deben mucho al
Barroco, sobre todo en arquitectura; en su etapa final se mezcla con el Romanticismo hasta tal
punto que, a veces, ambas corrientes se dan en paralelo en los mismos artistas.
Es el primero de los estilos revivals que imita formas artísticas del pasado, y que continuaron
en el siglo XIX con el Neogótico, el Neobizantino, el Neomudéjar, etc.
2. ARQUITECTURA NEOCLÁSICA
2.1. Características
Se basa en la imitación de los modelos de la Antigüedad clásica griega y romana. Por eso busca la
proporción y la armonía, pero siempre dentro de una escala grandiosa y monumental.
El material constructivo fundamental es la piedra, aparejada en sillares isódomos.
Como soportes emplean el muro, el pilar, la pilastra y, sobre todo, la columna. Encontramos todos los
órdenes clásicos, aunque no superpuestos; el mayor protagonismo lo tienen el dórico y el corintio.
En lo referente a los elementos sostenidos, las estructuras interiores suelen emplear arcos de medio
punto, cúpulas, bóvedas de cañón, de arista, etc.; sin embargo, en los exteriores, sobre todo en las
fachadas, presentan casi siempre elementos adintelados con entablamentos y frontones triangulares al
modo griego. Los elementos decorativos se usan con mucha moderación.
Se proyectan muchos tipos de edificios, adecuados a la función que van a desempeñar: palacios,
iglesias, museos, bibliotecas, teatros, bolsas, observatorios, bancos, monumentos conmemorativos…;
esta variedad refleja el cambio social y los afanes culturales propios de la época ilustrada y de
comienzos del siglo XIX.

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2.2. Ejemplos
En Francia las figuras más destacadas son:
Soufflot es el autor de la iglesia de Santa Genoveva, hoy denominada El Panteón, edificio
grandioso con un bello pórtico corintio y gigantesca cúpula, que emula al templo romano.
Vignon hizo la iglesia de la Magdalena, un monumental templo períptero y corintio.
También en París, se levantan dos obras de clara raigambre romana, el Arco del Triunfo y la
columna de la Plaza Vendôme, que conmemoran las hazañas napoleónicas.
En ningún país tuvo el Neoclasicismo un sentido tan imitativo de lo clásico como en Alemania, como lo
muestran la Gliptoteca de Munich, obra de Leo Van Klenze, y la Puerta de Brandenburgo de Berlín.
2.3. Arquitectura española neoclásica
Dos circunstancias fueron decisivas para la difusión del Neoclasicismo en España:
La llegada al trono, desde Nápoles, del rey Carlos III, admirador de la Antigüedad, reformista
y comitente de numerosas infraestructuras y edificios urbanos;
La fundación de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, que contribuyó a la difusión del
estilo.
La historia de la arquitectura neoclásica española empieza con Ventura Rodríguez, que evolucionó desde
el Barroco hasta el Neoclasicismo. La fachada de la catedral de Pamplona es el ejemplo más
representativo de su faceta neoclásica.
En la época de Carlos III, hay una notable actividad constructiva en Madrid, donde se traza el Salón
del Prado, adornado con las fuentes de Cibeles, Apolo y Neptuno; se diseña la Colina de las Ciencias
(Jardín botánico, Observatorio y Gabinete de Ciencias); y se erige la Puerta de Alcalá, un arco de
triunfo obra de Sabatini.
El arquitecto español más importante del Neoclasicismo es, sin duda, Juan de Villanueva. Inició su
aprendizaje a los 15 años en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y cuatro más tarde fue
seleccionado para estudiar en Roma donde residió cinco años, decisivos para su formación artística. De
vuelta a España levanta la Casita del Príncipe en El Escorial y el Observatorio Astronómico en el Retiro
madrileño.
Su obra más importante es el Museo del Prado (1785-90), edificio que estaba originalmente destinado
a Gabinete de Historia natural y no a su actual función de Museo de pintura. Está construido alternando
la piedra y el ladrillo. Si desde el exterior se nos presenta con una apariencia adintelada en la que se
emplean los tres órdenes clásicos, en el interior es un edificio de cubiertas abovedadas.
La planta es bastante compleja, resultado de la suma de cinco cuerpos. Los dos extremos son de
apariencia exterior cúbica, aunque sus interiores difieren (en uno hay un patio cuadrado, pero en el otro
se dibuja una rotonda con cúpula). El cuerpo central se alza perpendicular al eje norte-sur del conjunto
y sobresale como si fuera un gran ábside. El nexo de unión entre los tres anteriores lo constituyen dos
cuerpos estrechos rectangulares a modo de galerías.
Como rasgo plástico destacable de su apariencia externa, merece señalarse el hábil juego de luz y
sombra que se consigue mediante la articulación de volúmenes entrantes y salientes.

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3. ESCULTURA NEOCLÁSICA
3.1. Características
La escultura neoclásica, igual que la arquitectura, intentó recuperar los patrones grecorromanos.
Cincelan las obras en mármol, con las superficies cuidadosamente pulidas, imitando las copias romanas.
Mantienen el color del mármol sin policromía, pues los teóricos creían que tampoco los griegos aplicaban
color a sus obras.
Los temas principales fueron mitológicos y retratos de personajes de la época, muchas veces con
indumentarias arqueológicas, es decir, vestidos como se creía que lo hacían en la Antigüedad.
Las figuras están idealizadas. Se prefiere la imagen serena, aunque no rígida, sino articulada en
contraposto. No se busca representar una escultura viva, sólo imitar la belleza formal en la que el
espíritu es el gran ausente; el resultado son obras de apariencia perfecta pero frías y poco expresivas.
3.2. Ejemplos
El genio de la escultura neoclásica es el italiano Canova, de clasicismo depurado y técnica irreprochable.
En sus obras abunda el tema mitológico. Trabajó para Napoleón del que hizo una estatua en bronce,
como un héroe de la Antigüedad, con el cetro en la mano y una victoria en la otra. Otro ejemplo
importante es el retrato recostado de Paulina Bonaparte, representada como Venus, tendida en una
chaise longue de estilo Imperio. Su obra mitológica más conocida es el grupo de Eros y Psique.
También en Roma trabajó el danés Thorwaldsen, escultor de un idealismo formal perfecto, pero frío y
académico. Su Jasón está inspirado en el Doríforo y en el Apolo de Belvedere. Las tres Gracias nos
muestran un idealismo desprovisto de pasión y de sentimiento.
En España, la obra más popular es la fuente de Cibeles, que realizó Francisco Gutiérrez.
4. PINTURA
4.1. Características
A diferencia de lo que ocurre con la escultura, la pintura apenas contaba con modelos clásicos, puesto
que los hallazgos de Pompeya y Herculano, únicas pinturas de la Antigüedad grecorromana conocidas
entonces, tuvieron escasa repercusión. Por eso los pintores neoclásicos se inspiraron en los relieves
antiguos.
La técnica preferida es el óleo sobre lienzo. La aplican cuidadosamente de modo que resultan texturas
lisas y brillantes.
El dibujo es componente prioritario, pues delimita las formas con contornos firmes y seguros, y
organiza el ritmo de las composiciones. El modelado se consigue mediante suaves gradaciones de luces y
sombras: pintan con una luz uniforme y clara, frecuentemente fría, que precisa los volúmenes y da
solemnidad al ambiente.
El color tiene menos importancia. La gama cromática se redujo, de modo que se imponen los colores
primarios que sirven para crear límites definidos entre zonas, evitando superposiciones.
Interesa poco la perspectiva. No se suelen representar grandes espacios en profundidad, quizás
porque los pintores, al tomar como modelo los relieves clásicos, optan por distribuir las figuras sobre un
plano dominante, a modo de friso.

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Las composiciones buscan la claridad, el equilibrio y la simetría. A veces el gesto y la actitud de las
figuras pecan de excesiva teatralidad. El movimiento parece estereotipado.
Los temas preferidos son los mitológicos, los históricos y el retrato.
4.2. Autores y obras más significativas
Francia fue el centro de la pintura neoclásica. Los máximos representantes son David e Ingres:
David alcanzó su fama en la época de la Revolución y del Imperio Napoleónico. Su influencia fue
tan grande que se convirtió en un verdadero dictador de las artes, llegando a suprimir la
Academia. Simpatizó con las ideas revolucionarias como muestra en La muerte de Marat.
Durante el Imperio se convirtió en primer pintor de la Corte, al servicio del programa político
de Napoleón, que requería del arte como medio de propaganda. En La coronación de Napoleón,
un lienzo de enormes dimensiones, reflejó la pompa imperial. Antes había pintado obras
destacadas como El juramento de los Horacios y El rapto de las Sabinas, ambas de marcado
clasicismo neoclásico.
Ingres fue un excelente dibujante, tanto, que ha dado lugar a la frase hecha, dibujar a lo
Ingres, para referirse a quien lo hace de forma perfecta. Estudió largos años en Italia,
guardando siempre gran admiración por Rafael y toda la pintura italiana renacentista. Gran
defensor del Neoclasicismo, algunas de sus obras pueden ser catalogadas ya de prerrománticas,
como La fuente, cuyo desnudo marmóreo se complementa con una cierta melancolía. Su tema
preferido fue el desnudo femenino: Odaliscas, El baño turco.
En España la nómina de pintores neoclásicos es muy poco significativa, aunque vino al servicio de la
corte un pintor prestigioso, el alemán Antonio Rafael Mengs, muy influido por las ideas de
Winckelmann. Carlos III le encargó pintar en el palacio real de Madrid el fresco de La Apoteosis de
Trajano, que ejerció gran influencia en los pintores españoles. Colaborador de Mengs fue Francisco
Bayeu. Ya en el siglo XIX, merecen citarse Vicente López, excelente retratista, y José de Madrazo
que en La muerte de Viriato enlaza con la manera de hacer de David.
5. GOYA
5.1. Introducción
La grandeza de Goya, su genialidad, estriba en que fue capaz de prescindir de las pautas artísticas y
estéticas de su época, para intuir e investigar problemas plásticos y encontrar nuevas soluciones
pictóricas, soluciones que le llevaron hasta los márgenes del arte moderno. Goya creó un mundo visual
personal sin seguir nunca una trayectoria lineal, con un tratamiento libre e imaginativo de los temas.
Es el iniciador de uno de los cambios más rotundos de la historia del arte y se le considera precursor de
varias tendencias posteriores:
Precede al Romanticismo, por algunos de sus temas (naufragios, incendios…), por la forma de
expresar los sentimientos y por convertir a la masa popular en protagonista de algunas obras.
Antecede al Impresionismo, por la pincelada suelta y por el tratamiento de la luz, en obras como
La lechera de Burdeos.
Intuye el Surrealismo cuando refleja el mundo del inconsciente.
Precede al Expresionismo, al sacrificar la forma y el detalle en beneficio de los rasgos
expresivos de lo esencial (Pinturas negras).

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En su amplia obra utilizó diversas técnicas (pintura mural, óleo sobre lienzo, tabla, óleo sobre muro,
aguafuerte, litografía) y representó temas muy variados (religiosos, costumbristas, históricos,
retratos).
5.2. El estilo de Goya
Podemos definirlo por las siguientes características:
Predominio del color sobre el dibujo. A diferencia de los pintores neoclásicos, contemporáneos
suyos, Goya es un colorista que utiliza una rica paleta, sabiamente contrastada, que proporciona
gran variedad de matices visuales. A lo largo de su vida evoluciona desde los colores terrosos de
los inicios, a los colores limpios y llenos de luz de su época de plenitud, para desembocar en la
utilización del negro en sus últimas obras.
Factura suelta y desenfadada. También evoluciona desde la técnica precisa y apretada de los
primeros años hasta una pincelada amplia y desdibujada, preimpresionista.
Enfoque naturalista de la realidad. Queda patente, por ejemplo, en sus retratos. Goya casi
nunca es neutral sino que desnuda al retratado, opina sobre él, muestra su antipatía o simpatía
por el personaje que posa ante sus pinceles.
En la pintura de Goya el protagonista es el hombre. Atento observador de la naturaleza
humana, aporta una visión de los seres humanos en la que critica frecuentemente sus
ambiciones, su crueldad, su estupidez y sus pasiones.
Su extraordinaria imaginación le lleva a deformar, en ocasiones, la realidad, complaciéndose en
lo monstruoso y en lo fantástico.
5.3. Significado de la obra de Goya
Goya vivió una etapa compleja de la historia de España, el difícil tránsito desde el Antiguo régimen al
Sistema liberal. Su obra, además de sus indudables valores artísticos, es un fiel reflejo y síntesis de
esta época, de la que constituye un excepcional documento. Goya observa, refleja y critica en sus
cuadros los vaivenes históricos.
A lo largo de su biografía estuvo en contacto con diversas capas sociales, que él trasladó a los lienzos:
Se codeó con la aristocracia y fue especialmente amigo de las duquesas de Osuna y de Alba.
Se relacionó con las clases modestas y mostró su amor al pueblo en sus escenas populares,
fiestas y ocupaciones, aunque también criticó su incultura, su egoísmo, sus supersticiones, etc.
Fue amigo y contertulio de los ilustrados, como Jovellanos, cuyas ideas compartía.
Estuvo en contacto con la corte de José I Bonaparte, y se ha especulado con su posible afinidad
ideológica con los afrancesados.
También tuvo relación con la Corona, ya que fue pintor de cámara.
5.4. Vida y obra de Goya
La intensa relación entre la época, la vida y la obra del pintor aconsejan estudiar su pintura siguiendo
una secuencia biográfica.
a) Primeros años en la vida de Goya
El pintor nació en Fuendetodos (Zaragoza) en 1746. Sus años de formación transcurrieron en Zaragoza,
en el taller de Luzán. Intentó sin éxito conseguir una beca de la Academia de San Fernando para viajar

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a Italia. Más tarde realizó este viaje de aprendizaje a sus expensas y allí aprendió la técnica del
fresco. De regreso a Zaragoza hizo sus primeras pinturas murales, para la cartuja de Aula Dei, de
estética barroca.
b) Ascenso y consolidación artística
En 1774 Goya se instaló en Madrid. Su cuñado Francisco Bayeu, pintor de la Corte, le consiguió trabajo
en la Real Fábrica de tapices de Santa Bárbara. Cinco años más tarde fue nombrado académico de
Bellas Artes y en 1789 pintor de cámara de Carlos IV. Su actividad como retratista le introdujo en los
ambientes de la aristocracia (Osuna, Alba) y de los intelectuales ilustrados.
Las obras de esta etapa son los cartones para tapices y los primeros retratos:
Los cartones son óleos sobre lienzo que servían de modelo a los tapiceros de la Real Fábrica.
Responden a la estética rococó, por sus personajes amables y graciosos, su encanto formal, su
enfoque refinado y sus composiciones cuidadas y armoniosas. Los temas son populares: festejos
castizos, escenas cotidianas, tipos del pueblo, que estaban de moda en las fiestas cortesanas. El
colorido es alegre y vivo, de gama cálida hasta los años 80, y también fría en los posteriores.
Igualmente la factura, precisa y acabada en principio, va ganando ligereza con el tiempo. Los
más destacados son El quitasol, La gallina ciega, La boda, El albañil herido y los dedicados a
las cuatro Estaciones: Las floreras (Primavera), La era (Verano), La vendimia (Otoño) y La
nevada (Invierno). Algunos cartones, como La gallina ciega, le fueron rechazados debido a las
dificultades que presentaban al pasarlos al tapiz.
Comienza su actividad como pintor de retratos, género en el que pronto llega a una sencillez
velazqueña, con una notable capacidad de síntesis, interesándose exclusivamente por la
fisonomía y por la personalidad. A estos años pertenecen el retrato de Jovellanos, excelente
lección del empleo de la gama de grises, y el de los Duques de Osuna, entonado en verdes.
c) La primera crisis (1792-1808)
En 1792 contrajo una grave enfermedad que le produjo sordera. Su temperamento cambió,
distanciándose de la gente, y tendiendo a la introversión. La enfermedad coincidió con la crisis política
que se produjo en España por el estallido de la Revolución francesa y la caída en desgracia algunos de
sus amigos ilustrados.
Goya reanudó su actividad pictórica a partir de 1795. Era ya un pintor formado, que se caracterizaba
por la libertad de pincelada, el dominio del color y la maestría en el uso de la luz. En esta etapa da
rienda suelta a su personalidad, acentuando su sentido crítico, con una visión, en ocasiones, pesimista.
Obras religiosas. En los frescos de San Antonio de La Florida, donde representa un milagro
del santo, convierte en protagonista a la gente del pueblo.
Retratos como La condesa de Chinchón, La duquesa de Alba y Las majas. La maja desnuda,
uno de los escasos ejemplos de desnudo femenino de la pintura española, es de estilo más
académico, pictóricamente inferior a la vestida, cuya factura, por el contrario, es mucho más
suelta y el cromatismo más rico. La obra maestra es La Familia de Carlos IV, pintada en 1800.
Representa a la familia real en un retrato colectivo. El pintor deja patentes, sin paliativos, sin
idealización ni de adulación cortesana, la personalidad de cada personaje, por lo que podemos
hablar de retrato psicológico. Es una pintura de gran riqueza cromática con pinceladas muy
cortas pero ligeras. La luz, otro elemento destacado, cae en diagonal sobre los cuerpos

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provocando destellos en las joyas, definiendo calidades táctiles en los atuendos, creando
espacio y dando volumen a las figuras. El fondo del espacio pictórico, con el autorretrato del
pintor, recuerda a Las Meninas, pero aquí no hay contradicciones ni equívocos, sino que es una
composición sencilla, sin barroquismo.
Grabados. La serie de Los caprichos son escenas satíricas en que critica la condición humana y
los vicios sociales. Se caracterizan por un intenso claroscuro y la representación de figuras
grotescas, fantásticas o monstruosas.
d) Guerra de Independencia y segunda crisis (1808-1823)
Es la etapa más original de su biografía artística. Los hechos históricos provocaron en Goya una
profunda crisis motivada por la invasión francesa, la crueldad de la Guerra de la Independencia (que
refleja en El coloso), y la posterior represión de Fernando VII a los liberales. La crisis se acentuó aún
más en 1819 al sufrir una nueva enfermedad que le llevó a recluirse en la Quinta del Sordo.
Realiza otras dos series de grabados: Los desastres de la Guerra, que reflejan situaciones de
extremada crueldad con las que condena la violencia irracional que acompaña a los hechos
bélicos, y Los disparates (cronológicamente coinciden con las Pinturas negras) próximos al
Surrealismo.
Cuadros históricos. Le fueron encargados por el rey Fernando VII en 1815, cuando la guerra
había terminado. Son dos obras de denuncia en los que huye de toda visión heroica de los
hechos. La carga de los Mamelucos refleja los sucesos ocurridos en la mañana del dos de mayo
de 1808, en la Puerta del Sol, cuando se enfrentaron los patriotas madrileños con las tropas de
mamelucos de Napoleón. Representa la violencia caótica de la masa popular, mediante un
marcado desorden compositivo. Técnicamente dominan las manchas de color.
En Los fusilamientos de la Moncloa el tema es un grupo de patriotas ante el pelotón de
ejecución. Muestra la otra cara del cuadro anterior, la represión francesa que se produjo en la
noche del 2 al 3 de mayo. A la derecha, formando un bloque compacto y ordenado, el pelotón
francés parece una máquina de matar, un símbolo impersonal, sin rostro, de la muerte; la
pincelada es continua y la factura precisa. En el centro y a la izquierda las víctimas forman un
grupo desordenado, más espontáneo, para dar sensación de patetismo; están pintados con
factura más suelta y empleando mucha materia. La figura de los brazos abiertos centra
temáticamente la composición por el empleo de colores que expanden luz, el amarillo y el blanco.
La gama cromática restante es de tonos grises, ocres y pardos, iluminados
fantasmagóricamente por el farol, mientras se intuyen las primeras luces lúgubres del
amanecer. El fondo es negro para no distraer la atención del drama.
Las Pinturas Negras. (1819-23). Tras su segunda enfermedad, el pintor compró una casa en las
afueras de Madrid, al otro lado del Manzanares, la Quinta del Sordo. Tenía ya 73 años y
acababa de pasar otras calamidades como la muerte de su mujer. Goya pinta las paredes de la
casa, no al fresco sino al óleo, sobre el muro enlucido.
La denominación de Pinturas negras está en relación con el predominio de los colores
mortecinos, como negros, pardos, marrones y grises. Son los tonos dominantes aunque no los
únicos, pues también emplea blancos, rojos y azules.
La técnica de ejecución, de pincelada muy suelta y empaste espeso, busca ante todo la
expresividad. La relación entre los medios técnicos y los propósitos iconográficos es perfecta.

8. EL NEOCLASICISMO Y LA FIGURA DE GOYA 8
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Los títulos de las obras aclaran bastante la lectura temática: el hilo conductor es la muerte. En
ellas posiblemente se refleje la opinión de Goya frente a la situación del país, caracterizada por
la represión, las conspiraciones y los levantamientos, opinión que el artista manifiesta dando
suelta a su fantasía y a su subconsciente. Al superar muchas veces el límite de lo racional, a las
Pinturas negras se les consideran un antecedente del Expresionismo.
Las escenas más conocidas son El aquelarre, Lucha a garrotazos y Saturno.
e) Exilio en Francia (1824-1829)
En 1824, Goya pidió licencia a Fernando VII para marcharse a Francia, con el pretexto de una cura de
aguas en un balneario. Se instala en Burdeos, con su compañera Leocadia Weis, y allí sigue pintando e
incluso aprende y experimenta nuevas técnicas como la litografía ( Los toros de Burdeos). Son años de
vida agradable y tranquila para el artista.
Pinta una última obra maestra, La lechera de Burdeos, con una técnica absolutamente libre que
anticipa las conquistas de los impresionistas.
En 1828 muere en Burdeos. Leocadia escribió sobre su muerte: falleció del 15 al 16, a las dos de la
mañana. (…) Se quedó como duerme y hasta el médico se asombró de su valor.
PREGUNTA PAEG:
EL NEOCLASICISMO. URBANISMO Y ARQUITECTURA. ESCULTURA: CANOVA.
PINTURA: DAVID. LA FIGURA DE GOYA